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音樂

熟能生巧的「心流」-2

心流創造力與非心流創造力 他們還驚訝地發現,心流狀態的創造力與非心流狀態的創造力有很大不同。 先前的神經影像學研究表明,想法通常是由預設模式網路產生的,預設模式網路是一組涉及內省、白日夢和想像未來的大腦區域。預設模式網路噴出的想法就像無人看管的花園水管噴出的水一樣,沒有方向,要由位於大腦額葉的執行控制網絡,扮演園丁角色、控制它往哪兒灑。 創意流程是不同的:沒有軟管,沒有園丁,預設模式和執行控制網路被抑制,這樣它們才不會干擾為在專業領域產生想法而建立的獨立大腦網路。 舉例來說,知識淵博但相對缺乏經驗的電腦程式設計師可能必須一步一步推理,來編寫出每一行程式碼;但經驗豐富的程式設計師則利用他們專門的大腦網路,可能會開始流利地編寫程式碼,而不會過度思考,直到他們完成(也許是一次性的)初稿。 培訓可能有幫助 也可能反成阻礙 創造力研究實驗室 2019 年的一項研究,證實了專業知識和放棄認知控制的能力,是達到心流狀態的關鍵。研究中,爵士音樂家被要求「更有創意」地演奏:有了這個方向,非專業音樂家確實能夠更有創意地即興創作,因為他們原本的即興創作很大程度上受到有意識的控制,可以對此進行調整,例如一位新手就在報告中表示,他還不會本能地運用技巧,所以必須主動去選擇演奏地更有創意。 另一方面,專業音樂家的創作過程是經過數十年的經驗累積而成的,被要求「更有創意」後,卻反而無法發揮創意地表演,就像一位專家所說:「感覺自己被困住了,試圖『更具創造性地思考』是一種障礙。」 由此可知,對於音樂家、作家、設計師、發明家和其他想要融入心流的創意人士來說,培訓應該包括強化練習,然後學會退後一步,讓自己的技能發揮作用。未來的研究,則或可探討放鬆控制的具體方法。 原文出處

車臣欲限定國內音樂速度

俄羅斯聯邦成員、位在北高加索地區的車臣共和國宣布,將禁止節拍過快或過慢、不符合車臣傳統的樂曲,以免這些來自西方的東西污染了當地主流的穆斯林文化。 塔斯社報導,車臣文化部長Musa Dadayev表示,所有音樂,包括聲樂跟舞曲,速度都應該介於80-116 bpm之間,才算合於車臣的節奏感。從它處借用音樂文化是不可以的,而是必須將車臣文化的傳統,交給現在與未來的人們傳承,這包括車臣人生活裡的整個道德與倫常體系。政府已下通牒,以6月1日為期限,要音樂家遵循上述速度標準重寫曲子。 這些規定一旦執行,大部分西方流行酒吧舞曲音樂,例如house、techno、 dubstep、drum’n’bass,還有一些速度通常介於60-140 bpm的hip-hop跟rap,都會因為違反共和國當局領導人Ramzan Kadyrov「想要保護的車臣文化傳統」而遭禁。 所謂傳統的車臣音樂,包括為舞蹈、賽馬、行進隊伍伴奏用的器樂曲 khalkaran yish,講述英雄故事的 illi yish,常用樂器為三弦琴dechig-pondar。 原文出處

熟能生巧的「心流」-1

「心流」是創造力增強、生產力提高和幸福意識的一種狀態,一些心理學家認為,這也是幸福的秘訣,並被認為是大腦在商業、藝術或任何其他領域取得成功的快速通道。 但根據Drexel大學創造力研究實驗室新的神經影像學研究,想要實現這一切,必須先打下堅實的專業知識基礎,而且習得專業知識之後,還必須釋放它們、而非過度思考,才能進入心流狀態。 自從心理學先驅 Mihály Csíkszentmihályi在20世紀70年代開始研究心流現象以來,心流的概念一直讓富有創造力的人們著迷。然而,半個世紀的行為研究並沒有回答許多關於大腦機制的基本問題,這些問題與體現心流時那種毫不費力的注意感有關。 該研究團隊將兩種相互衝突的心流理論並立——一種理論認為,心流是一種高度專注於某項任務的狀態;另一種理論則假設心流涉及放鬆注意力或有意識的控制——試著探究何者更能夠反映人們產生想法時的腦中狀況。 爵士樂即興創作是研究創造力的認知心理學家和神經科學家最喜歡的工具,因為它是運用發散性思維又可測量的現實世界任務——該團隊也不例外,從費城地區招募了32名爵士吉他手,新人到老手皆有——當吉他手們依給出的和弦序列和節奏即興表演時,研究人員記錄他們的腦電圖腦電波,演奏者自己則對他們在每次表演中體驗到的流暢程度評分,這些錄音隨後會由專家評委為其創造力評分。 密集訓練 然後放手 據說爵士大師 Charlie Parker曾建議:「你必須學習你的樂器,然後練習、練習、再練習。當你最終站上臺時,再忘記這一切,只管好好演奏。」 這種觀點與Drexel大學的研究結果一致:音樂人自認為比較流暢的表演,也被其他專家評價為更具創意;此外,最有經驗的音樂家認為自己比新手更容易進入心流狀態,這表明經驗是心流的先決條件。 腦電圖則顯示,在表演時進入心流的音樂家,腦中執行功能或認知控制的額葉部分活動減少——換句話說,心流與放鬆對大腦其他部位的意識控制或監督有關——當最有經驗的音樂家在心流狀態中表演時,他們腦裡已知涉及聽覺和視覺的區域更為活躍,因為他們當時正在解讀和弦進行、聆聽提供給他們的節奏,以即興創作。 相較之下,經驗最少的音樂家,腦部與心流相關的活動就很少。 原文出處

法雜誌披露 知名指揮羅特涉電話性騷

法國雜誌《Le Canard enchaîné》,報導,創立世紀古樂團(Les Siècles)、曾執掌巴登巴登—弗萊堡西南德廣播交響樂團(SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg),並將於2025-26樂季出任西南德廣播交響樂團( SWR Symphonieorchester)首席指揮的羅特(François-Xavier Roth)涉嫌以電話進行騷擾,除了有7名音樂家表明羅特傳給他們「不受歡迎的訊息」,該文還引用了科隆Gürzenich樂團成員寄給執行董事 Stefan Englert、控訴羅特對女性團員性騷擾的信件為證。 報導指出,羅特的慣用模式通常是在深夜發出恭維對方的訊息,如果收到回覆,就會很快用帶有親吻與愛心的符號續聊,但真正有問題的地方在於,這些對話有時竟會迅速轉變為「一句讚美,然後就是一張裸照」的狀況。 目前正面點名羅特的受害者,包括曾為法國廣播交響樂團小提琴手的Marie-Annick Nicolas,還有巴黎愛樂前總監Laurent Bayle——前者稱羅特曾邀他到自己的飯店房間參與一場「虛擬淋浴」;後者則向《Le Canard enchaîné》坦言,該團2019年遴選首席指揮時,巴黎市府就曾告知他,羅特受到的相關指控。 羅特自己也承認,他曾通過電話進行「親密的交流」,並表示:「如果我做得太過分了,我想向那些我可能傷害到的人道歉。」 原文出處

華格納曾孫女 續掌拜魯特音樂節

拜魯特音樂節宣布,未來五年,將由華格納曾孫女Katharina Wagner繼續擔任總監(Festspielleiterin)。 剛滿46歲的Katharina,2008年9月即與父異母的姐姐Eva Wagner-Pasquier共同營運該節,2015年開始獨自執掌。他表示自己很高興已與團隊一起找到強化藝術自治的途徑,現在所有精力都可投注到創造性的工作上面。 因為拜魯特音樂節已與當局達成協議,另雇經理人(Geschäftsführender Direktor)管理財務,總監將只負責在共同持股人設定的預算之下,定奪藝術事宜。 目前德國聯邦政府、巴伐利亞州政府、拜魯特之友協會各擁有該節29%股分,另外13%則在拜魯特市政府手上。 原文出處

2024國際長笛音樂節 密集登場中

亞太首屆一指、臺灣長笛界規模最大的「國際長笛藝術節」已邁入第七屈,自2006年起每三年一度由藝術總監樊曼儂策劃執行,加上力晶文化基金會每屆持續不間斷的鼎力支持,得以拓展深耕至今,累積國際間佳評形成強大的影響力量,成為全球長笛家交流展藝相互觀摩的平台,提供台灣𠎀出長笛音樂家向全球發聲的機會。2024年的七場演出,已由舒茲與國立臺灣交響樂團4月的合作揭開序幕,後面六場節目正於5月18日至25日密集登臺,並輔以「力晶美學藝堂」,藉由演前導聆、大師講座等型態培植臺灣優秀人才、落實教育紮根全面且多元提昇藝術量能。 「臺灣長笛教母」樊曼儂表示,新象.環境文創,是臺灣長笛音樂的先鋒(Pioneer)、也是引路人(Pathfinder),隨時密切注意長笛的國際大賽的金獎銀獎、表現優異的長笛苗子,並積極邀請這些潛力無限的青年音樂家來到臺灣獻樂,當然更關注國際頂尖的最高榮譽的長笛演奏家參與。」 每一屆的「國際長笛藝術節」都企畫了不同的主題,本屆藝術節的主題是當代、跨世紀、新浪潮,遵循以往藝術節音樂世代承先啟後的傳承精神,當代曲目如新浪潮推騰著經典薈萃,在曲目的選擇上亦依往年的巧思策畫,籌畫了每一場演奏會都有臺北首演的曲目,以及五首21世紀代表性的長笛協奏曲,在一場協奏音樂會中同時盛大演出。其中亞洲首演的曲目,包括麥科爾親自為長笛創作的《願景》,還有于淵帶來的杜利亞特《宛若一場逝去的夢》;而臺灣首演的作品更達八首之多。 2024年第七屆「國際長笛藝術節」,以二場協奏曲之夜、五場長笛與鋼琴的演奏會,以及四場力晶美學藝堂,其中二場演前導聆、二場國際大師講座,邀請愛樂之友蒞臨、欣賞,迎接今年國際一流長笛名家的各場演出! 第七屆國際長笛音樂節 原文出處

漫談卡拉揚的天鵝之歌:布魯克納第七號

奧地利指揮家卡拉揚(Herbert von Karajan)的最後錄音是與維也納愛樂合作的布魯克納第七號,根據官方紀錄,這場演出錄於1989年4月18-23日。唱片在卡拉揚去世後出版LP及CD。後來有人詳細分解錄製時間指出,4月18日當天在錄音室的條件下開錄,一直錄到22日,而23日是音樂會的完整記錄。顯然卡拉揚有意先在錄音室完成一些重要段落,如有必要可以剪接到4月23日的現場演出中。 剪接工作在1989年7月24至27日,以及同年7月31日至8月2日之間進行,9月11、12日由錄音工程師Günter Hermanns進行後製,然後將完成的磁帶郵寄給Michel Glotz、Uli Märkle兩位高層。可惜,卡拉揚7月16日去世,再也聽不到他的最後錄音(所以演奏中一些小瑕疵也就沒進行修正)。 另有維也納愛樂團員指出,DG的版本已是當時實況的完整收錄,DG僅在後製時做了少許的修正。 不過,我們還是能在日本CD-R市場找到1989年4月23日未修正過的「真正」最後音樂會。我聽過「未修正」版,兩者差別不大,但不知道為什麼?感覺「未修正」版比DG正式發行的商業唱片更能專注地聽完。 我一直對DG版很無感,很多人喜歡推薦卡拉揚這張最後錄音,可能因為是「最後錄音」的關係,帶有一點感傷的味道。但我個人認為卡拉揚1970年代初期在Jesus-Christus Kirche指揮柏林愛樂錄製的第七號更好,這張絕對是卡拉揚全勝期的傑作,尤其慢板第177小節那段終曲前的高潮,這個版本的定音鼓相當嘹亮,那種衝擊性和爆發力,絕無僅有。另外詼諧曲的Trio是我聽過最抒情的演出,而且沒有之一。 當時,卡拉揚為何是找EMI而不是DG錄製這張第七號?有一段文獻提供答案,話說1967年5月12日,卡拉揚在倫敦與EMI高層Peter Andry碰面,當時卡拉揚雖確信DG在賓主關係到期後(1968年11月到期)會選擇續簽獨家合約,但很明顯,DG無法滿足他所有的想錄製的曲目。例如,他們拒絕卡拉揚想錄的布魯克納第四、第五和第七號交響曲,因為那時候DG已有約夫姆(Eugen Jochum)的版本,他們認為該版本已經夠優秀了。因此,卡拉揚相隔9年重返EMI錄下知名的貝多芬三重協奏曲,布魯克納第四、第七號也相繼完成。卡拉揚在1970年中、後期才錄了一套布魯克納全集還給DG。 此外,很多人應該都聽過卡拉揚最後錄音吧?但有人發現嗎?初期版的CD與後來發行的再版(如Karajan Gold系列),在第四樂章的節奏上有差異。有日本人曾寫信向環球古典諮詢,對方回說:因為初版CD和Karajan Gold使用的Take不同。於是,多年前有人就真的將兩個聲源進行比較,列出至少8處有異,譬如:第35小節的節奏不同,再版比初期版更寬敞。第85小節的長笛明顯不同,一個柔和優美,一個攻擊力很強。 最後再談談晚年的卡拉揚,卡拉揚就在離開DG轉到Sony發展前去世。換東家前,Carlo Maria Giulini被派到Sony測試,同行還包括號稱「卡拉揚之耳」的錄音工程師Günter Hermanns。如果不是突然去世,卡拉揚會終止與DG的長期合約,並與Sony簽下新約,展開與維也納愛樂的錄音計劃,重新錄製自己想錄製的曲目。據說,卡拉揚還計劃十年後重返維也納國家歌劇院。如此一來,1989年的布魯克納第七號交響曲,也就只是卡拉揚告別DG與Sony一連串合作的開端,而不是指揮生涯的終點。

【翻過關鍵】從傳統推廣到突破創新─朱宗慶打擊樂團副團長黃堃儼談音樂會製作

不可諱言,比起古典樂已然「定型」的音樂會格式,擊樂音樂會在當今樂壇可說是變化多端,屢屢端出別出心裁的節目安排,光看今年朱宗慶打擊樂團已經發佈的音樂會計畫:第一季《駱駝.獅子.嬰兒》是融合多元編制、經典與新創曲目並存的純擊樂演出;第二季《打擊樂與他的好朋友們》則是廣邀各路人馬,與聲樂、薩克斯風、單簧管、小提琴、琵琶等不同領域的音樂家激盪出全新火花;第三季《六部曲》則是繼《木蘭》、《泥巴》後再度推出「擊樂劇場」,團員們集演奏與演技於一身的精湛表現,更是讓一般管弦樂團望塵莫及。讓人目不暇給的萬種擊樂風情,背後深藏著數十年來朱宗慶打擊樂團「從無到有」、「從傳統到創新」的歷史進程,更是帶領著擊樂界「翻過關鍵」的重要現象。 在朱宗慶打擊樂團資深團員兼副團長黃堃儼的眼中,擊樂音樂會的變化是歷經非常長的演進過程:「快四十年前,觀眾完全不知道什麼是打擊樂,自然就要用一套吸引大家的曲目作編排。」當年的音樂會公式大致如下:第一首以熱鬧好聽的曲目開場,像是《夢幻列車》就是常見的選擇,輕鬆地帶領觀眾繼續往下聽,接下來則安排一首以木琴為主,較柔性悅耳的曲目,之後接著類似《射日》這樣子形式比較特別的曲目,給予觀眾不同刺激;下半場則是用鼓類節奏為主的曲目開啟,展現打擊樂的特色,接著則會演出比較有趣搞笑或是創意題材的曲目,最後則是用偏向拉丁節奏,讓人可以跟著搖擺律動收尾。黃堃儼表示,這樣演下來,真的很像是一套擁有起承轉合的完整菜式:「一開始大家會有點好奇,然後驚豔,等到開始感到飽了,就做些改變,最後一定要有甜甜的滋味回家。」在這樣的完整思考下,也讓台灣觀眾越來越接受擊樂音樂會,進而成為粉絲。 長期支持的觀眾養成後,也讓樂團重新思考,這樣固定的音樂會形式,是否能夠滿足這些「粉絲」的需求?因此造就了朱宗慶打擊樂團音樂會的「分季主軸」:第一季會以委託創作、新作品或經典為主,呈現出打擊樂最純粹的音樂性;第二季則是用「跨界」作為思考點出發,這個跨界可能是形式上的、樂種上的,或甚至是文化上的……有許多不同的方式,展現打擊樂的兼容並蓄;在經過以兒童音樂會為主要演出的暑假檔期後,於下半年的第三季演出,則會規劃較大型的製作,像是擊樂劇場或跨樂團共製等。黃堃儼表示,很難說這樣的規劃是從哪一年開始的:「大概十幾年前,就陸續演變成現在的樣子了。」 以2024年為例,第一季音樂會《駱駝.獅子.嬰兒》除了介紹打擊樂經典與新創曲目外,更重要的還有讓8位新進一團團員「亮相」的意義,挑選20人一起演出的大型作品,以及幾乎每首都橫跨四個世代的團員編制,都是從曲目中顯現樂團現在的活力與機動性;第二季音樂會《打擊樂與他的好朋友們》在彰顯打擊樂的多元跨界外,更重要的是這場音樂會每一首曲目,都要全新創作或是重新編曲,展現樂團安排「委託創作」的能力。黃堃儼表示,打擊樂的歷史不像管弦樂團,有許多曲庫可以演奏,而是要自己去找尋新的作曲家,開創全新經典:「我們每年都會挑選作曲家合作,平均一年發出去的委託大概是3到5首,通常我們都會給予作曲家很大的空間,頂多是要求作品長度,或是希望他寫的編制等,作曲家也往往會給我們一些想法或是意見,很多作品就是在這樣的來回討論中誕生。」第三季《六部曲》則是「擊樂劇場」,這是藝術總監朱宗慶提出的原創概念,跳脫「音樂劇場」的思維,而是把「擊樂」的聲響同樣融為戲劇的一部分,讓兩者緊密結合,成為獨一無二的音樂與戲劇表現。 今年初提出「翻過關鍵之頁」、倒數40週年的朱宗慶打擊樂團,在音樂會製作上的最大變革,乃是將上半年所有安排都提前公告與售票,《駱駝.獅子.嬰兒》與《打擊樂與他的好朋友們》不但同日啟售,辦在暑期的台北國際打擊樂夏令營也是早於年初就開放報名,整體時程拉長,代表著樂團對於音樂會製作的掌握更加完整,究竟一場音樂會都是在多久以前開始規劃?黃堃儼給出了「三年」這個答案:「當然不是說三年前我們就會把全部音樂會內容排好,而是從概念開始,要邀請誰、安排什麼作品等等,這些討論籌備至少都要經歷三年的過程,才會變成最後的樣貌。」 從最早的推廣性質,到現在的創新樣貌,幾乎沒有任何一個擊樂團體能像朱宗慶打擊樂團一樣,年年都端出如此多元面向的表演,今年5月登場的《打擊樂與他的好朋友們》即是一例:一場音樂會中,有新創與改編、有跨界與經典、有新朋與舊友,看似眾多不同的視角,都在此音樂會中結合地天衣無縫。數十年國內外的舞台經驗累積,造就了朱宗慶打擊樂團深厚的音樂會製作功力,已然成為世界樂壇的旗艦標竿。 ※《打擊樂與他的好朋友們》售票連結 原文出處

11年演完千餘作品 美國麻州推出巴赫大全計劃-2

而說起巴赫大全計劃藝術總監Chris Shepard在「巴赫界」的地位,那還真是其來有自,原來這位出身雪梨大學的博士,學位論文研究的主題正是B小調彌撒在美演出史;且組織過雪梨當地的巴赫樂團及合唱團,以BACH2010成功詮釋了巴赫筆下的全部清唱劇。 據他回憶,18個月前,伍斯特音樂協會執行長Adrien C. Finlay也來找他談一個在伍斯特推出巴赫清唱劇全集的想法,他便回道:「何不演巴赫全集呢?」連他自己都承認,Finlay的點子儘管大膽,他的想法更屬瘋狂值得點讚的是,Finlay竟然say yes,連眼都沒眨一下。計劃很快付諸實行,Mechanics Hall執行長Kathleen M. Gagne等人一下就看到它的潛力;這樣出格的想法,更是很快就吸引了大家的注意,音樂人社群紛紛表示想參一腳。 Shepard當然希望人們想要在伍斯特聚首,而這個計劃也讓他知道了自己接下來11年要做些什麼:「每個知道的人都說:『我希望自己能活到它完成。』我想說的則是:『我希望自己做完時還活著』。」 為了向這位西方音樂史上的標竿、讓對其或愛或厭的後世同行都能從中獲得啟發的偉大傳奇致敬,他們原本將活動設定成僅以當地社區為主,不過實際上,巴赫大全計劃雖以伍斯特為核心,卻已然引起連漪,在全球想要參與的音樂人之間掀動波瀾。除了有新英格蘭地區的夥伴輪番上陣,當然成員包括與該協會久有合作的鋼琴家、前駐節藝術家Simone Dinnerstein及其率領的布魯克林室內樂團、最常駐在該節的小提琴家Vijay Gupta、指揮與鍵盤演奏家Ian Watson等,巴赫大全計劃也為伍斯特音樂協會拓展了推出大型節目、攜手客席藝術家的視野。Shepard指出,其實正是近年伍斯特音樂節上諸如The Academy of St. Martin in the Fields、A Far Cry、The Knights、Apollos Fire等團體的表現,激起觀眾的熱情,讓他們知道在新英格蘭核心區域的人們,確有聆聽巴赫音樂的渴望。 為了反映巴赫職涯中既與職業樂手,也與業餘樂人共事的經歷,巴赫大全計劃將提供全美國、乃至它國聲樂演唱者前來,加入巴赫十月節合唱團,一起來唱清唱劇,而且形成一種雙向交流,即歡迎各地合唱團將麻薩諸塞放入自己的巡演路線、來此演出,該計劃也伸出觸角、與多個國際音樂節洽談,希望能讓計劃中的節目成為全球性的巡演內容。 現場表演之外,巴赫大全計劃也將推出podcast節目《Unlocking Bach》,以及介紹麻州核心區旅遊景點的Destination Bach,並在整個期間深入當地校園開展活動。 原文出處

佳能開發混合實境技術 提供超越現場限制的音樂欣賞體驗

日本佳能公司(Canon)推出新款混合實境(mixed-reality)頭戴裝置原型機,根據日本放送協會NHK報導,該產品也適用於音樂表演,可透過模擬技術,讓佩戴者得到置身音樂廳欣賞節目、甚而超過一般視角的互動體驗。 對許多樂迷而言,現場演出固然無疑有著錄音與錄影無可取代的真實,但同樣也有無法迴避的問題,例如座位視角或聽感受限、被前排觀眾擋住視線等,比較尷尬的位置或許還要靠看螢幕來彌補,更難保證節目中不受他人打擾;而且除了極少數可以接近舞臺的VIP,其他觀眾在演出現場,其實連活動的自由都沒有。 但如果使用佳能的混合實境技術,情況就會完全不同:他們先用超過50部攝影機,從各個角度錄下音樂表演實況,再轉製為混合實境,佩戴裝置者可以藉由不同的位置選擇,得到更加沉浸式的體驗,意即觀者不是只在臺下看到表演,甚至還能在表演中站到藝人身邊! 該頭戴裝置的硬體,似乎並未採用佳能在CES 2024上所展出較小的原型機,而是選擇了該公司2022年底發表的MReal X1,這個重量158克的總成,可以提供58度×60度的視野。不過該機同樣仍為原型,佳能尚未提出將之商業化量展的時間表,目前有意接觸混合實境者,可以選擇的機型為入門款的Meta Quest 3。,或者也可以排隊等待更進階的Varjo XR-4。 原文出處