【愛傳媒簡秀枝專欄】音樂會的演出者，是100台節拍器，你相信嗎！？
這是台北國家音樂廳自1987年竣工啓用以來，首度出現的表演。
睽違近40年的德國班貝格交響樂團（Bamberg Symphony)，近期浩浩蕩蕩來台演出，3月22日晚間在台北國家音樂廳舉行「力晶2023藝文饗宴-班貝格交響樂團亞洲巡迴」演出匈牙利裔作曲家李蓋悌（Ligeti ，1923-2006）《給一百台節拍器的交響詩》，就是由100台節拍器，演出的「交響詩」，讓所有觀眾瞠目結舌，也大開眼界。
號稱國際一線天團的德國班貝格交響樂團，3月下旬來台作3場演出，22日是台北第二場，由力晶集團冠名贊助，演出曲目有3，分別是上半場的布魯赫《c小調第一號小提琴協奏曲，作品26》，下半場在布拉姆斯《e小調第四號交響曲，作品98》演出前，就是怪異有加的李蓋悌《給一百台節拍器的交響詩》。
包括經常出入國家音樂廳的音樂饕客，對於布魯赫和布拉姆斯的各式曲子，都耳熟能詳，甚至可以哼出幾句節奏，唯獨對李蓋悌，特別陌生，《給一百台節拍器的交響詩》在台灣不曾演奏過。
為什麼節拍器與交響詩有關？大家認知中的節拍器，只是器樂練習時，借以控制速度的輔助工具，怎能登上國家音樂廳，成為演奏主角！？
因此，大家對於曲目標題，有看沒有懂，甚或望文生義，以為是作曲才子李蓋悌，以「擬人法」應對交響詩，就像流行音樂常出現，借物說情，睹物思人，萬萬沒想到，李蓋悌《給一百台節拍器的交響詩》的曲子中，100台節拍器是不折不扣的演出主角，從上發條開始，100台節拍器，發出「嘀噠、嘀噠⋯」的機械燥音，就是交響詩的全部。
近1800位觀眾，大家屏氣凝神，目睹演出的全部過程，目瞪口呆，是台北國家音樂廳36年前，不曾有過的經驗，竊竊私語之外，也成為「大師問答」中，大家急著請教指揮雅各·胡蕯的議題，頗具教育性。
今年是匈牙利裔李蓋悌（1923-2006）的百歲冥誕，樂團選擇《給一百台節拍器的交響詩》，正是向已經過世17年的作曲大師李蓋悌致敬。
然而，李蓋悌的《給一百台節拍器的交響詩》，在台灣是首演，100台節拍器在國家音樂廳一字排開，映著底光，非常壯觀。
音樂會下半場一開始，指揮雅各·胡蕯出場，如雷的歡迎掌聲響起，雅各·胡蕯站上指揮台，樂團各聲部樂手，像平常一樣，臨陣以待，盯住指揮捧，全場觀眾也屏氣凝神，等待指揮棒的起落。
然而，偌大舞台，頂燈逐漸轉暗，大家猛然注意到，平常人聲合唱團站立的樂團後方位置，排排站滿節拍器，仔細一算，正好100台，底燈映照著節拍器，直線微光，讓節拍器清楚被看見。
隨後，在幽暗的光線下，樂團的4位團員起身，直接向後轉，走近節拍器，上發條、啟動節拍器的行為，極具儀式感。
節拍器速度不等，大概介於50到144之間，當節拍器一撥動，就發出「嘀噠、嘀噠⋯」的規律機械響聲在全長3分鐘的演出中，觀眾的咳嗽聲、手機聲，居然還有Siri聲、竊竊私語等環境中的聲音，都成為演出的一部分。
當節拍器逐步收尾，孤單微弱，卻又異常清晰，直到最後一個喀噠聲，雅各·胡蕯不動聲色直接進入布拉姆斯深沉陰鬱的《第四號交響曲》第一樂章的演出，從無調性到調性，從19世紀的現代音樂到20世紀的當代音樂，悄然展開，那種感覺，妙不可言喻。渾厚暗沈的弦樂，和溫潤飽滿的管樂，完全展現樂團招牌的「班貝格之音」。
觀眾從滿臉疑惑中，回到正常的聆賞心情，抒情經典、詩意盎然的布拉姆斯調性旋律，傾洩而出，觀眾鬆了一口氣，有如靈魂出竅、夜輪迷航。
「我第一次聽，完全被震撼到了！」許多音樂饕客這麼說。
「我預先有跟董事長說明一下，讓他有個心理準備。所以看他還接受得挺好的。」力晶執行長詹曼君，總算放下心中大石頭，微笑表示。
「從李蓋悌曲子結束，過渡到布拉姆斯《第四號交響曲》，安排得很好，當樂團聲音再響起時，有種特殊的美感！」更有樂友，喜歡那樣的不按牌理出牌。
主辦該場音樂會的巴哈靈感音樂文化協會執行長梁秀玲 （Serene）說，她在香港看到班貝格交響樂團的演出，印象深刻，因此要求台灣巡演時，也要演奏該曲。
為此，班貝格交響樂團隨團運來100個嶄新節拍器，兩廳院燈光師也即時作了燈光的調整，完成一場「非典型」的演出。
北藝大教授車炎江在音樂導聆中就暗示該曲的特殊性。他指出，匈牙利裔現代音樂家李蓋悌（1923-2006）於1962年完成該曲，反應兩極。
最正面評價的是，激浪派運動（Fluxus Movement)成員，60年代激進前衛、充滿實驗精神的激浪派運動者，把該曲視為他們的藝術成果，因為理念相符，反權威、反藝術、行動至上，甚至吸收李蓋悌為會員。
然而，對一般樂友來說不太能認同，因為與大眾聆賞古典音樂的經驗，十分不同，前衞的創作，加上反藝術的質疑，使得該作品，很少被演出，也沒有錄製機會。
車炎江甚至透露，名為「交響詩」的該作品，其實沒有譜曲，有的只是表演指示，而且洋洋灑灑條列了8大規矩，從演出需要的節拍器種類、在表演場地如何安排、放置曲目的時段、上發條方式、速度快慢、與觀眾的距離、吸音材料的避免。
綜合網路文章分析，由於受到20世紀實驗藝術先驅杜象（Marcel Duchamp ，1887-1968）的觀念藝術影響，美國先鋒派古典音樂作曲家約翰·凱吉（John Cage Jr.，1912-1992） 的作曲思維，而當代作曲家也延續 約翰·凱吉對音樂的自由思維：音樂必須從主觀意識中解放，在偶發、機遇下產生，並主張任何聲音，都是一種大概念下的音樂。
匈牙利作曲家李蓋悌李格悌於1962年，寫給『100個節拍器的交響詩』，就顯得相當合理而且有意義，該「概念」，簡直就是今天當代藝術的概念，可以直接放入美術館，當藝術品典藏。
60年代「激浪派運動」的領導人 喬治.馬修那斯(George Maciunas，1931-1978）邀請 李蓋悌 加入那個泛藝術運動團體。
激浪派運動廣結一群各領域的藝術家， 以反藝術、反美學、反傳統的精神，進行藝術創作。
1962年喬治.馬修那斯舉辦了一場參雜視覺藝術與音樂、劇場、舞蹈、電影、美術館的展覽，他稱之為「非常新的音樂節 （festival of very new music）」，邀請了前衛音樂家約翰·凱吉 、李蓋悌、作曲家潘德列茨基（Penderecki，1933-2020）、特里·賴利
音樂家（Terry Riley ，1935-）跟其他領域的先進觀念藝術家，一起合作。
讓靜態的藝術展覽，也可以是動態表演，表演內容最離經叛道的是當場肢解一台鋼琴，並把鋼琴碎片拍賣給台下群眾，模糊了日常生活跟高尚藝術之間的界線。
總之，「激浪派運動」 開啟了以不同媒材元素融合的前衛藝術表現。而李蓋悌《100個節拍器的交響詩》就是與該運動合作下的產物。
100個獨立進行的節拍器，成為一個龎大的單聲部聲響。 接著，發條節拍器會在不同時間點，以最自然又不被預期的速度，慢慢停止，進入安靜，而結束整首作品，此時此刻台上台下也處在一個冥思（meditate）狀態。
睽違近40年，沒到來台演出，本地觀眾對該樂團，比較陌生，其實，班貝格交響樂團 與柏林愛樂（Berlin Philharmonic）、慕尼黑愛樂（Münchner Philharmoniker）並列為德國3家一線樂團，在國際評價甚高。該樂團對於中歐、德國音樂，一直是很在行，匈牙利裔的李蓋悌曲子，也常被演出。
雅各·胡蕯今天上午在「大師問答」中，進一步表示，把《給一百台節拍器的交響詩》介紹給亞洲聽眾，是紀念李蓋悌百歲冥誕最有意義的作法。他對台灣觀眾的素質非常滿意，台灣觀眾沒有拍手（香港觀眾拍手了）很安靜享受那個𣊬間。倘若觀眾在《給一百台節拍器的交響詩》拍手，那會摧毀布拉姆斯的氛圍。
隨著當代藝術觀念的推陳出新，一甲子之前的李蓋悌，就作了《給一百台節拍器的交響詩》的曲子，算是非常非常前衞，紀念李蓋悌百歲冥誕的此時此刻，確實意義非凡。
由於台灣觀眾對《給一百台節拍器的交響詩》的陌生，車炎江教授特別歸納出重要性所在：
一、重新定義聲音藝術的「詮釋者」：節拍器。
李蓋悌創作該曲的藝術屬性，除了反映他認同激流派反藝術、反權威、挑戰傳統的自主「行動」理念，該曲直指存在於樂譜與音樂實際聲響之間的「詮釋者」，才是真正音樂藝術本質所在，只是該「作品」的聲音藝術「詮釋者」剛好是100台節拍器而已。
二、挑戰音樂藝術的傳統形式，風格與概念，呼應激流派反藝術、反權威，挑戰傳統的自主「行動」理念。
三、以機械設備聲響或燥音，作為表現媒材，實質延續20世紀初葉，短暫的未來主義音樂宗旨。
四、該作品由100台節拍器組成100個各自不同速度的節奏聲部，構築出一組超級巨大的多層次複節奏（polyrhythm)聲響世界。
五、隨機音樂（Aleatory Music）
六、如此大規模且聲響特徵（節奏音色）同質的滴答聲，在樂曲一開始便形成強大的聲音流，而且構成一種以節奏為核心的「微複音音樂」(Micro Polyphonic Music)，直到節拍器能量耗盡為止。
德國班貝格交響樂團這回來台巡迴演出，一趟路成本高，逾百位團員，光旅程機票與運費，就花45萬歐元，在台灣6天，每位樂手要求單獨房間，成本頗高，對巴哈靈感音樂文化協會來說，壓力沈重，幸運的是，包括金車、力晶與富邦集團等3企業，適時伸出援手，冠名贊助，在台北的兩場演出之後，口碑不錯，衝高票房，大家期待25日在高雄衞武營的最後一場演出。
久違的德國班貝格交響樂團，這回帶來曲目，除了李蓋悌《給一百台節拍器的交響詩》在台灣首演，另一首布魯克納《C小調交響前奏曲》，雖有錄音版，但也是現場的首演，特別把機會留給台灣聽眾，倍讓人感到欣喜雀躍。
作者為典藏雜誌社社長
照片來源：作者提供。
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