音樂

說實話，我本來不是特別欣賞特里福諾夫，聽過他一次現場，我能感受他追求藝術的純粹之心，但對他的詮釋還是頗為保留。然而，他這次推出《我的美洲故事——北美巡禮》專輯，回顧自己移民美國的旅程，從選曲到詮釋，能聽出他的用心及努力，讓我極其佩服。 以一個演奏古典音樂出身的鋼琴家，要演奏好搖擺樂與爵士樂，其實並非易事，那涉及音樂語法以及「即興」的自由度。但是特里福諾夫顯然下足苦功，錘煉功深，例如約翰‧亞當斯《中國之門》，這首精彩的極簡主義作品，他以演奏多聲部的紮實功力，演繹出豐富的層次感，著實了不起。 專輯一大重點是蓋希文《F大調鋼琴協奏曲》，我的銘心愛曲，上世紀最偉大的大師李希特曾以純古典的技法，遵循譜面指示演奏出偉大的詮釋。特里福諾夫將爵士鋼琴的觸鍵融入古典技法的演奏，確實有彈出新意。 其他精彩的美國作曲家作品，包括柯瑞里亞諾以貝多芬第七交響曲第二樂章為靈感創作的《頑固音型幻想曲》，柯普蘭1930年的《鋼琴變奏曲》，以及梅森‧貝茲在2022年為特里福諾夫創作的鋼琴協奏曲，特里福諾夫都有精彩的演繹，他在現代語彙的音符中，注入強烈的抒情性與自由度，許多樂段閃閃發亮。 唯一要挑惕，或者說換個角度享受的，是爵士與電影配樂曲目。特里福諾夫模仿爵士鋼琴大師比爾‧艾文斯演奏的《When I Fall in Love》，如果你聽過比爾‧艾文斯的經典演出，就會覺得還是「術業有專攻」，勉強不來。但是換個角度來聽，特里福諾夫古典方正又簡潔的指法，在好萊塢電影《黑色豪門企業》和《美國心玫瑰情》主題上，又有一番寧靜含蓄的美感。 最後有意思的安排，是約翰‧凱吉在1952年創作的劃時代作品《4分33秒》。錄音捕捉到從紐約市哥倫布圓環地鐵站出發，穿越紐約都會到中央公園，有車水馬龍與人聲鼎沸，實踐當年凱吉說的：《4分33秒》並不是一首寂靜無聲的作品，「觀眾在談論或步行時，發出了各種有趣的聲音。」 我認為這是很棒而且完美的結尾，確實是體現了聲音多樣性與冒險自由風的「美國精神」。這是特里福諾夫目前作品中，我最欣賞的錄音，值得推薦珍藏。 我的美洲故事——北美巡禮 特里福諾夫，鋼琴／涅傑—塞貢，指揮／費城管弦樂團 My American Story- North Daniil Trifonov, piano/ Yannick Nezet-Séguin, conductor/ Philadelphia Orchestra DG 4865756．環球 原文出處 蕭旭岑／Muzik資深樂評人

智利導演Pablo Larraín Matte推出的新片《瑪麗亞》（Maria），正在Netflix與全球各地影院陸續上映，其中由安潔莉娜．裘莉飾演的晚年卡拉絲，無疑攫取了觀眾的目光，讓其第九度獲得金球獎提名、或將三度問鼎奧斯卡。但在大家又一次把注意力聚焦於這位二十世紀歌劇女王的傳奇之時，他曾經璀璨卻相對短暫的女高音職業生涯，與僅僅53年的人生，也叫世人噓唏不已。 1941年，18歲的卡拉絲以托絲卡一角於雅典歌劇院正式出道。這位出身低微的歌手，雖是為母所迫而習唱，卻也因母親的努力與堅持，在音樂學院受到名師指導，奠定美聲唱功之基石——儘管認其聲乾癟、醜陋者亦不乏其人；對於其橫跨三個八度的音域之中，孰段為最優？也從無定論；連卡拉絲本人都不喜歡自己的聲音，只不過是「漸漸地學會接受」——不過他仍然靠著這樣的稟賦，成功營造出卡拉絲式強大又動人的表現力，在歌劇舞臺上大放光彩。 除了歌藝，卡拉絲更為人稱道的，正是唱「作」俱佳，讓歌劇回復到「透過歌唱與嚴謹的動作，戲劇化地詮釋一段故事」的本質，有人甚至因此借用西方世界以耶穌誕生時間為標誌的紀年方式，謔稱歌劇該由此分為「前卡拉絲時代」（before Callas, BC）與「後卡拉絲時代」（after Callas, AC）。 回到舞臺生命短暫的話題，據現有紀錄顯示，卡拉絲的聲音劣化，最早於1956年即顯端倪，雖然當時他才33歲，但隨著年齡增長，情況愈加嚴重，很多以前唱得了的詠嘆調，都變得無法勝任，與過去的輝煌已然不可同日而語——近年有研究比較他前後相差10年的《托絲卡》與《納布果》錄音，發現聲音愈來愈尖銳、不整齊、不穩定——不論原因是出自情夫歐納西斯移情別戀、演出太多太密、早期演唱的角色太傷嗓，抑或他強化戲劇處理的招牌唱法加重了聲帶的負擔，歌劇界圍繞此事展開的激辯，都讓這個問題大肆凸顯。 而卡拉絲二十多歲時向奧黛麗．赫本看齊、一次甩掉三、四十公斤的斷崖式減重，可能也有負面影響，造成喉部主肌群流失，削弱其張弛聲帶的能力。 關於這場終結舞臺生命的聲變，卡拉絲晚年寓居巴黎時諮詢的醫師，在其死後超過1/4個世紀發表的報告，又透露了另一條不可忽視的線索。當時卡拉絲展示了自己的雙手——那兩塊好似久經風霜的老皮，早已沒了托絲卡的纖纖之態，反而像是長期多幹苦活的勞工之手，又粗又腫，還帶著紫斑——這都是皮肌炎（dermatomyositis）的症狀，該病也導致頸部紫疹、身姿佝僂，還有聲音變弱（痙攣性失聲）。服用可體松後，狀況雖有改善，卻減損了這位巨星的壽命，1977年就讓他僅以53歲之齡因心臟病離世。 諸如此類的不完美，映照著卡拉絲可稱「接受自己的缺陷、進而以之創造奇蹟」的一生，而這或許正是其至今叫人懷念的難忘之處。 原文出處

光輝的作曲家 Schauroth雖然作品不多，但影響深遠。他至少出版了三部鋼琴作品：《輝煌奏鳴曲》（Sonate brillante）、降B小調隨想曲（現已遺失）以及《無詞歌六首》（Six Songs Without Words），作品18號。後者的作品編號暗示她至少創作了18部作品，但今日已無法確定是否如此。 1834年，Schauroth出版《輝煌奏鳴曲》，成為19世紀初少數出版鋼琴奏鳴曲的女性之一。在當時，創作鋼琴奏鳴曲被認為是一項嚴肅且具挑戰性的任務，作曲家需要對形式與和聲有深厚的掌握。此外，貝多芬、舒伯特與莫札特的成就也為這一體裁設定了高門檻。 女性作曲家通常被期待局限於小型作品，如歌曲與短篇鋼琴曲。在這樣的背景下，Schauroth選擇出版鋼琴奏鳴曲，展現了他作為作曲家的宏大抱負與對性別期待的反抗。 舒曼等評論家曾讚揚她的奏鳴曲，稱其具有火熱、炫技、表現力與即興風格。他們同時讚賞她的雄心，並注意到他對這一體裁的創新處理。 隱藏的創作 Schauroth也有少數作品以書信或音樂紀念冊的形式保存下來，作為朋友間的紀念品，他的音樂創作甚至出現在其他作曲家的作品中。 例如，他曾與同時代的孟德爾頌交換短篇鋼琴作品，可能在樂譜中隱含他們短暫的曖昧關係。有趣的是，他還為孟德爾頌的《G小調第一鋼琴協奏曲》匿名貢獻了一段音樂，這段旋律被孟德爾頌形容為「響亮有力」。 再現的遺產 那麼，Schauroth如今為何沒沒無聞？ 19世紀一些如今廣為人知的女性作曲家，如克拉拉．舒曼與芬妮．孟德爾頌都出身於音樂世家，且有後代繼續紀念她們。而Schauroth的家庭生活不穩定（她結過三次婚），唯一的孩子也早夭。 此外，作為一名男爵夫人，貴族身份雖帶來優勢，但成年後的他被認為不適合專業演奏生涯。首次婚姻幾乎終結了他的演奏事業，儘管奮力抗爭，但缺乏長期的公開曝光，仍然使他更早被遺忘。 近來，鋼琴家Arcadie Triboi發行了Schauroth音樂的錄音，讓聽眾終於能夠聆聽他的一系列作品。隨著學者、表演者與廣播媒體愈來愈注意到更多元的作曲家，Schauroth或許也會迎來「復興」的一天。 原文出處

Delphine von Schauroth（1813–1887）在19世紀初期享有極高的聲譽。這位德國女性鋼琴演奏家兼作曲家以其充滿力量與創意的演奏，以及原創且深具表現力的作品，被評論家譽為音樂天才。 然而，儘管他當時享有天才的美譽，但其家庭生活與社會階級，可能導致了他如今的默默無聞。 神童的崛起 Schauroth 9歲時開始在德國以鋼琴家的身份展開演出生涯（1822年）。隨後，她在英國和法國巡演，以令人驚嘆的演奏技藝征服了觀眾與行家。 受人敬重的評論家對她的音樂讚不絕口，詩人們為她的才華譜寫詩篇，藝術家則為她繪製肖像。愛丁堡的顱相學家甚至為她製作了石膏面模，試圖通過研究天才的頭骨形狀來揭示性格與智力的奧秘。雖然顱相學在當時頗具影響力，但如今已被否定，且因其用於支持種族歧視理論而遭譴責。 在那個時代的評論中，Schauroth被認為是與李斯特和孟德爾頌並駕齊驅的年輕鋼琴家。而對其能力最有趣簡潔的評價，或許來自法國小說家兼音樂評論家司湯達（Stendhal）——他在寫給朋友的信中提到，年輕的Schauroth「有著像莫札特那樣的大腦袋。」——這一說法雖然措辭不太討喜，但能與這位最偉大的音樂神童相提並論，卻屬極高的榮譽。 魔法與巫術的隱喻 隨著Schauroth在1820至1830年代從「神童」（Wunderkind）的標籤中脫穎而出，他作為藝術家的聲譽也日益崇隆，評論家們對其音樂天賦驚嘆不已，常以魔法或巫術來隱喻其音樂對觀眾的影響。 這些魔幻般的描述可能與她的性別有關。19世紀，音樂界仍在努力接受女性作為創作者的角色，或許將女性視為一種巫女（即使只是比喻），會比純粹將其理解為創意藝術家更容易被接受。 原文出處

新象．環境．藝之美文創2025開年音樂會「力晶2025藝文饗宴——伽佛利佑克與奧登薩默鋼琴雙協奏曲之夜」，明日（1/10）將邀請鋼琴三冠王伽佛利佑克（Alexander Gavrylyuk）十一度訪臺，搭檔首次以指揮之姿前來的安德烈斯．奧登薩默（Andreas Ottensamer），攜手國立臺灣交響樂團，獻演蓋希文《藍色狂想曲》與柴科夫斯基第一號鋼琴協奏曲，以及蕭斯塔科維契第五號交響曲，讓人大飽耳福、一晚聽個夠！ 新象藝術總監樊曼儂分享日前與奧登薩默及伽佛利佑克的合作經驗，高度肯定兩位音樂家的非凡實力。他回憶年輕時隨郭美貞學習指揮，以及親歷這位老師指揮國立臺灣交響樂團（時為臺灣省交響樂團）、使之彷彿脫胎換骨的經驗，論證優秀的指揮家能讓樂團立即提升水準，煥發光芒。特別是像奧登薩默這樣具備獨奏家與樂團經驗的指揮，不但了解樂團的需求，在識譜到研讀總譜的專業能力方面，更能贏得樂手心服口服的尊重尊重，展現更強大的音樂感染力。 而提到伽佛利佑克，樊曼儂更透露，在迄今已逾20年的合作之中，新象始終致力於為這位傑出鋼琴家設定挑戰、推動其突破自我。這次1月10日的音樂會便是一例——當他提議在同場演出兩首重量級協奏曲時，伽佛利佑克也毫不猶豫地接受，展現了難能可貴的音樂家精神。 以清晰的理路與音樂線條，為作品勾勒炫惑色彩的伽佛利佑克，2024年夏天在與高雄市交響樂團的合作中，風靡南臺灣，佳評如潮；於BBC逍遙音樂節演出拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲，同樣獲得《泰晤士報》「如沐天啟」（Revelatory）及《Limelight》雜誌「電力四射」（Electrifying）之美譽。新象．環境．藝之美文創，應古典樂迷的殷切期盼，在2025年元旦開春，再次邀請伽佛利佑克，為臺灣樂迷帶來蓋希文《藍色狂想曲》，接著是柴科夫斯基《第一號鋼琴協奏曲》，展現他令人「目眩神迷的精湛技藝」。 烏克蘭裔的伽佛利佑克特別提到，同樣具有烏克蘭猶太血統的蓋希文，其作品代表著自由意志的展現。而談到柴科夫斯基《第一號鋼琴協奏曲》，他形容這是一部從第一個音符就能帶來喜悅與解放感的傑作：「第二樂章擁有動人的旋律主題，中段充滿幽默；第三樂章則受烏克蘭舞蹈啟發，展現出不可阻擋的熱血精神，在喜悅與興奮之中也蘊含著深刻的悲劇與衝突。」 在同一場音樂會中演出兩大鋼琴協奏曲，幾乎是不可能的任務，不過非只伽佛利佑克欣然應允，指揮奧登薩默同樣毫無遲疑：「這對觀眾而言將是極為難得的音樂饗宴，對樂團來說更是充滿挑戰的刺激經歷」他強調，「這兩首都是大師級的重磅作品，風格反差極大，正好展現鋼琴家的超凡實力與藝術潛能。 下半場，則由奧登薩默獨挑大樑，率國臺交演出蕭斯塔科維契第五號交響曲，向這位二十世紀音樂巨擘致敬，同時也是獻給臺灣樂迷，做為他首度以指揮家身分踏上臺灣舞臺以饗樂迷的新年獻禮。 由柏林愛樂單簧管首席跨足指揮的奧登薩默，於2021年榮獲格師塔德指揮學院一等獎 （Neeme Järvi Prize, Gstaad Festival Conducting Academy） 之後，正式開始以指揮身分嶄露頭角，與NHK交響樂團、東京交響樂團、巴塞爾室內樂團（ Kammerorchester Basel ）、伊斯坦堡國家交響樂團、萊比錫MDR交響樂團 （MDR Sinfonieorchester Leipzig）、李斯特室內樂團 （Liszt Chamber Orchestra）、慕尼黑室內樂團 （MünchenerKammerorchester） 、加拿大大都會管弦樂團 （Orchestre Métropolitain）等知名團體均有合作演出。2024年夏天，率領巴賽爾室內樂團於瑞士、德國、日本，與中國巡迴的奧登薩默，六月於日本三得利音樂廳 （Suntory Hall） 演出華格納歌劇《羅恩格林》（Lohengrin） 大獲好評。 對於指揮，奧登薩默表示：「在音樂的意義上，我認為這是一種延續與深化，將過去所投入的積累，推向更高層次。因為對獨奏家與指揮而言，音樂的本質是相通的，而擔任指揮讓我能夠，也促使我希望更深入地探索音樂世界的多樣領域與形態。此外，我不僅侷限於協奏曲的曲目，也全心投入於宏偉的交響樂及其相關曲目。對我個人的音樂生涯而言，這無疑是一項重大的突破與進步。」 針對蕭五，奧登薩默認為其與當代現實確有深刻連結：「從這部作品中，我們可以感受到作曲家如何在那個歷史意義非比尋常的時代，在嚴苛的審查制度下，仍創作出震撼人心的偉大音樂。這樣的時空背景不僅與俄羅斯，更與當今世界許多地區的處境產生共鳴。」 「伽佛利佑克與奧登薩默鋼琴雙協奏曲之夜」集結三首風格迥異、各具特色的經典曲目，無論是充滿爵士元素的蓋希文《藍色狂想曲》、情感豐沛的柴科夫斯基《第一號鋼琴協奏曲》，還是深具時代意義的蕭斯塔科維契交響曲，都將在一夜之間，為樂迷帶來一場精彩絕倫的音樂饗宴。 力晶2025藝文饗宴——伽佛利佑克與奧登薩默鋼琴雙協奏曲之夜 原文出處

2024行至尾聲，長榮交響樂團也於12月26日在國家音樂廳送上全年最後一場音樂會「極致淬鍊」，為這變化的一年劃下句點——這一年，帶領該團十餘載的音樂總監、首席指揮舒馬富斯（Gernot Schmalfuss），榮膺首席藝術顧問暨桂冠指揮，也讓在他悉心打磨之下、愈見色彩的長榮，迎向攜手更多不同客席指揮的「淬鍊」——而這最後的收官節目，正是由芬蘭裔英國指揮柯林斯（Ross Jamie Collins ）與俄羅斯名鋼琴家瓦洛金（Alexei Volodin）強強聯手，兩位青壯年明星堪稱十足誠意，端出了滿滿的兩首交響加一首協奏。不過對於演奏的樂團來說，要在一夜之內頂住一首古典時期加兩首浪漫時期標準的交響／管弦樂作品，不啻亦是一場「極致」的耐力賽。 開場的海頓第103號交響曲《擂鼓》曲如其名，少見地以定音鼓獨挑大樑的滾奏揭開序幕，加上第二樂章複主題變奏曲採用對比明顯的新穎旋律，都叫人耳目一新，確實體驗到晚年海頓在優雅勻稱的基本框架之中，依然不乏亮點的創意，無怪乎其當年能夠遠征倫敦、大受當地樂迷之歡迎。然或緣於筆者本次身居三樓最後一排位置，定音鼓領頭略有不勻的落棒節奏被空間放大，聽來微覺參差撓耳，所幸其它樂部皆在狀況之內，盡職地讓人一下就徜徉於海頓明亮又不失變化的歡快之中，用這四個樂章讓整晚演出有了好的開始，亦初顯柯林斯與長榮搭配的契合程度，為接下來的協奏曲奠定順利合作的基石。 臺上開闔騰挪之間，鋼琴占據C位，上半場也隨之進入重頭戲，此時只見指揮與鋼琴家快步登場，由樂團俐落地送出了第一樂章的導奏——從其行進的速度可知，這應該會是一首相當偏快的拉三——果然瓦洛金琴音一出，就是迅雷不及掩耳，兩隻大手面對拉赫重重聲部的排山倒海，卻似一葉浮桴、毫不費力地飄過黑白之巔，好比悠遊浪端雲尖，讓人驚服於其化密集為無形的指間功力，使用音色略較史坦威輕亮的法吉歐里，更讓這般寫意再上層樓——但速度如此之快，且樂句幾無斷點頓錯的一番輸出，不免操之過急，也讓樂團不易搭配——這樣的狀況在呈示部裡屢屢顯現，到發展部前小號加入、樂團齊奏時，才因管弦樂分量增加而趨緩，平心而論，對於表現都在水準之上的指揮與樂團而言，應為非戰之過。 發展部行將結束之時，瓦洛金又送上另一個意外：多數鋼琴家彈出偏快的第一樂章時，都會選奏短版華彩（cadenza），沒想到他額汗一抹、手帕一放，彈出來的竟是長版。不按牌理出牌的風格，隱約預示著下一個樂章雖是慢板的間奏曲，聽者也未得稍歇，即便速度從「（不）太快的快板」降到了「不算慢的慢版」，瓦洛金的詮釋仍然「獨樹一格」，所有的斷句與轉折幾乎都不在預期的位置，讓即使聽過不下三十個版本的拉三粉絲如筆者，一下也無以理解其中門道。 高歌猛進的第三樂章，自是鋼琴又一次炫技的恰當時刻，獨奏家當然也把握機會，大秀拿手活兒，不過當他彈到最終樂段、突然脫韁加速時，還是叫人捏了一把冷汗——因為速度實在太快了，就怕樂團非但跟不上、還會因此散架，「不出意外的話，就要出意外了……」——可是真正叫筆者意外的卻是，樂團並沒有因此亂了陣腳，反而適時把速度拉回正軌，依舊堂皇地結束全曲，值得熱烈掌聲鼓勵，也見得柯林斯年紀雖輕，卻真有兩把刷子。 下半場分量同樣不輕，作為傳統核心作品，貝多芬第三號交響曲無疑是指揮與樂團實力的真正考驗。柯林斯仍以同樣的輕快步伐小跑登場，有別於他以最大幅度擺臂、以全身呼喚樂團起立回禮的大動作，其指揮手勢，從第一樂章起始的兩個強音以降，便幾乎都維持在上半身範圍之內，而且大部份僅由右手指示拍點，只在某些樂段輔以左手勾勒音樂線條，或者對某些樂部作出指示，可稱簡潔明瞭，卻好似與整個樂團久有默契，就這樣以平實穩健的風格，自然地展開這首劃時代、開創浪漫新紀元的經典之作。 而樂團除了經過中場休息，樂器可能有些「降溫」，讓第一樂章呈示部的高音弦樂聽起來還有一些正在暖身的朦朧，待進入狀況後，各樂部皆表現得相當稱職，不只定音鼓與法國號都演奏得比上半場更為穩定、出色，其他各部管樂與弦樂也一直維持著緊密的和諧，在指揮穩定的帶領下，讓人安安心心、一路順暢地聽完四個樂章。 這樣的呈現，相較於上半場的拉三，也許沒有什麼所謂特出的「新意」，但面對《英雄》，這仍然是正確且上乘的開啟方式，而且更讓筆者感覺到柯林斯+長榮這個組合的成熟度，其實超過想像。 未料更超過想像的，還在後頭。 現場收穫鮮花與觀眾掌聲不絕，頻頻以超大鞠躬、甚至以單腳點地的曲膝禮多次謝幕的柯林斯，竟然在這般高強度的一夜行將結束之際，又一次登上指揮臺，與樂團送上一首西貝流士《悲傷圓舞曲》，叫筆者不禁暗忖：「果然是年輕人啊！」也讓這場從七點半一路進行到十點的「極致淬鍊」耐力賽，得到了一個活力滿滿、且具個人出身特色的漂亮終止。 原文出處

1879年初，布拉姆斯親自指揮自己剛寫好的D大調小提琴協奏曲，於萊比錫成功首演——該曲是他為好友姚阿幸量身打造，當日即由這位接受題獻的頂尖演奏家本人擔綱獨奏——如今，姚阿幸一個多世紀前用於這場演出的史特拉第瓦里名琴，將於2025年2月進行拍賣，蘇富比預估價格約在1200萬至1800萬美元之間，或可一舉刷新場上數字、打破2011年另一把史特拉第瓦里 Lady Blunt締造的1590萬美元紀錄 。 這把名琴誕生於「製琴黃金年代」的1714年、保存狀況良好，音色維持在巔峰狀態，堪稱名震樂壇。它的上一手私人買家，是1925年生於廣東、1951年奪得海飛茲小提琴大賽首獎的馬思宏。這位姚阿幸嫡系弟子因發明不用拆下的「思宏」弱音器，以出售專利所得，於1967年購入此琴，並一直使用到2009年過世為止，身後將琴捐贈予母校新英格蘭音樂學院（New England Conservatory），該琴也因此得名「Joachim-Ma」。 關於拍賣，新英格蘭音樂學院董事長Andrea Kalyn表示，儘管保存這樣一件珍寶是極大的榮幸，但時候已到、他們計劃運用拍賣所得，創設校史上最大的獎學金項目，好讓它更能造福後進、達成訓練未來世代音樂家們的使命。 原文出處

2024年留聲機古典音樂獎得主——強納森．泰特曼（Jonathan Tetelman），以「華麗出眾、光芒四射」之獨特嗓音，受到國際樂迷的注目與青睞，在全球樂壇迅速崛起。新象．環境．藝之美文創獲得力晶文化基金會的鼎力支持，邀得泰特曼首度訪台，並請到法籍創作才子指揮家弗雷德里克．查斯林（Frédéric Chaslin）來臺加入陣容，攜手NSO演出普契尼、威爾第、雷哈爾、佛洛托、阿布瑞尤、拉拉、梭羅撒巴爾等名家經典，獻藝19世紀後浪漫到20世紀初的美聲樂章，成就一場華麗的歌劇盛宴。 泰特曼是一位智利裔美國男高音，生於1988年，職業生涯主要集中在歐洲，他在DG推出的首張專輯《詠嘆調》（Arias）2023年夏天發行後廣受好評，並為歌手贏得了Opus Klassik「年度青年才俊」獎。之後更錄製整張《普契尼詠嘆調選》，於普契尼逝世一百週年（2024）發行。泰特曼認為普契尼的偉大在於：「如果沒有普契尼，西方歌劇將會大大不同。我每天都聽普契尼的音樂、學習普契尼的音樂，並且樂在其中。」 泰特曼在其溫潤（balmy verve）與深沉（darkly colored tenor timbre）並俱的音色特質中，以他兼具英雄與抒情男高音的嗓音，靈活純熟的技巧、依戲劇張力、從角色心理視角切入詮釋演繹特性。在威爾第的作品中，他是《茶花女》（La Traviata）中深情的貴族紳士阿弗雷多（Alfredo）；是《托斯卡》（Tosca）裡熱愛自由、生命與革命不悔的卡瓦拉多西（Mario Cavaradossi）；也是《馬克白》（Macbeth）中那忠誠、果敢與可敬的麥克達夫（Macduff）。每個角色，經過泰特曼勾勒的深刻詮釋，豐富圓潤的聲音色彩，皆是嗓音帶來的沉醉。 回憶曾經主辦的聲樂盛事，新象藝術總監樊曼儂感觸尤多：「我們在三大男高音、二王一后的經驗，對於優秀歌劇男高音之難得，有深切的體會。泰特曼這位男高音是我們在2021年的時候，從紐約時報報導得知，泰特曼是這個世代最突出的、打破一切美好的男高音——在21世紀，終於在我有生之年看到一個優秀的男高音，就是泰特曼，這位唱義大利歌劇最棒的男高音，才36歲，演唱生涯正在起飛當中，可說是「當紅炸子雞」，只是因疫情關係，到今年才請到他。」 受邀為本次泰特曼演出導聆的林伯杰，則以多年沉浸歌劇的經驗指出，泰特曼的歌聲，被留聲機雜誌評為考夫曼之後，國際樂壇最重要的發現——20年之前，樂壇發現了考夫曼；如今，20年之後，大家看到了泰特曼的特色。但泰特曼跟考古夫曼音色，又是截然不同的——多少可以聽到他的中音域跟高音域真的有一點點像是帕華洛帝在唱歌，可是戲劇張力更強，如果要找一個類似前輩的男高音的話，不應該是帕華洛帝的聲音，而是更早期的奧裔西班牙歌手阿佛瑞多克勞斯（Alfredo Kraus Trujillo）的聲音——戲劇跟抒情皆擅。 為了這次亮相，新象徵求泰特曼的意見，特別請到來自巴黎的指揮家、作曲家、鋼琴家和作家弗雷德里克．查斯林（Frédéric Chaslin），來與NSO共演。這位指揮於1993年在奧地利布雷根茨音樂節首次亮相，曾於1993—1994年指揮威爾第歌劇《納布果》（Nabucco）和1994—1995年指揮貝多芬歌劇《費德里歐》（Fidelio）。自1997年起，他成為維也納國家歌劇院的常客指揮，合作超過250場演出，並於2001年9月擔任指揮和鋼琴家與維也納愛樂演出貝多芬第五號鋼琴協奏曲，2018年演出馬勒第五號交響曲。近期，主要參與於德勒斯登與哥本哈根的兩部新製作以及奧芬巴赫《霍夫曼的故事》（Les Contes d'Hoffman）。除了常與巴黎管弦樂團、法國國家交響樂團、法國廣播愛樂、巴黎歌劇院管弦樂團同臺，也在歐陸其他地區，與包括義大利米蘭斯卡拉愛樂、RAI交響樂團、英國曼徹斯特哈雷樂團、倫敦愛樂、倫敦交響樂團，維也納交響樂團與維也納愛樂，西班牙國家交響樂團、里斯本伯金漢基金會管弦樂團等團體多有合作。。 力晶世紀美聲系列—歌劇男高音泰特曼與NSO 原文出處

擁有絕佳聲響效果與優異的現代管風琴，是衛武營國家藝術文化中心最值得稱道的硬體條件，已在國際樂壇擁有一席之地。結合這兩項優勢，衛武營自開幕以來就不斷舉辦並推廣管風琴演出，五、六年下來確實培養出熱忱樂迷，一般愛樂者也愈來愈能體會管風琴演出的獨特之處：那是錄音難以忠實重現、非聽現場不可的聲響震撼。你必須身在其中，才能充分領會管風琴聲響在空間裡疊合交融，演奏家以此創造神奇效果的美學。 話雖如此，從衛武營製作的一系列管風琴錄音聽來，錄音師尤子澤愈來愈能掌握管風琴的演奏美學，對衛武營聲響效果的理解也日趨完善。在最新專輯《萬彩雙琴》，我們可從收錄的兩首管風琴名作，巴赫《c小調帕薩卡雅舞曲與賦格》和李斯特的巴赫清唱劇《哭泣、哀嘆、憂慮、猶豫》數字低音主題變奏，聽到最好的證明。兩首都是經典名曲，而舒密特的卓越詮釋也不怕比較。他調配出的色彩組合，始終清楚呈現這兩首變奏的主題，音樂與聲響層次都能有條不紊地開展，巴赫聽來甚至還有思古幽情，於穩健速度中呈現懾人的情感張力。管風琴對李斯特而言，不只是另一展現技巧的工具，更是他宗教情懷的寄託。以巴赫的主題發想，他從心靈幽微朦朧處召喚出深不可測的狂風暴雨，精神性的冥想與潛伏意識中的魔性，兩者互為表裡、連動相生出震懾聽眾的掙扎哭號。舒密特在此充分渲染想像，將作曲家吐露喪女之慟的心聲做了極佳表達。無論是管風琴愛好者或是一般愛樂者，相信都能從這兩首的演奏與錄音中獲得感動。 兩曲管風琴獨奏已然精彩，這張專輯的藝術成就，在大提琴加入下更來到巔峰。雖然錄音呈現的是迥異於現場的音量平衡，但在極富品味與美感的後製調整下，兩個音量與發聲方法截然不同的樂器，竟能取得微妙的均勢與聲響協調。舒密特與楊文信在巴赫D大調奏鳴曲就盡情揮灑色彩，句法靈動活潑，在明亮愉悅的基調下華麗歌唱，確實是名符其實的｢萬彩雙琴｣。既是｢萬彩｣，自然不能只有鮮豔的暖色，亨德密特的《喪禮樂》（由兩位演奏者改編）和德國當代作曲家霍勒的即興樂曲，就有晦暗陰鬱的色調與苦澀悲傷的情感。在此二曲多數負責旋律主題的楊文信，展現他對現代與當代作品的深刻認識，表達貼切精準，風格堪稱無懈可擊。舒密特也創造適切的音樂氛圍，和大提琴共同探索樂曲的精神深度。 最後不得不提的，是兩人演奏兩種版本，分別由劉聖賢與施耐德改編的《望春風》。這兩首都不是｢想當然爾｣，和聲老套、曲調剪裁保守的改編，但也皆留下原作質樸溫暖的情感，讓人一聽難忘又一聽再聽。很久沒有聽到像這樣一張兼具深度與廣度，專業度與娛樂性皆具的管風琴專輯，誠心推薦給所有愛樂者。即使只為《望春風》而買，也絕對值得你的投資。 衛武營首張管風琴＋大提琴專輯《舒密特與楊文信：萬彩雙琴》2024年10月全球發行 Christian SCHMITT Wen-Sinn YANG VARIATIONS OF COLORS：MASTERWORKS BY BACH, HLLER, HINDEMITH LISZT 購買連結：https://npacwwy.tw/t11zqqva 【萬彩雙琴曲目表】 CD1｜楊文信與舒密特，大提琴與管風琴的極致演奏 1️⃣ J. S. BACH: Sonata in D Major for Viola da Gamba and Harpsichord, BWV 1028 巴赫：D大調古提琴與大鍵琴的奏鳴曲，BWV 1028 2️⃣ K. HLLER: Improvisations on the Spiritual Folk SongMost Beautiful Lord Jesusfor Cello and Organ, Op. 55 霍勒：大提琴與管風琴的《美哉主耶穌》聖歌即興曲，作品55 3️⃣ P. HINDEMITH: Funeral Music for Cello and Organ (Arranged by Wen-Sinn YANG Christian SCHMITT) 亨德密特：大提琴與管風琴的喪禮樂（楊文信與克利斯蒂安・舒密特改編） 4️⃣ DENG Yu-hsien:Bang Chhun Hong (Longing for the Spring Breeze)for Cello and Organ (Arranged by LIU Shen-hsien) 鄧雨賢：《望春風》，為大提琴與管風琴（劉聖賢改編） 5️⃣ Enjott SCHNEIDER:Longing for the Spring Breeze, Romance on a Taiwanese Folksong for Violoncello and Organ 施耐德：以臺灣民謠《望春風》而作的浪漫曲，為大提琴與管風琴 CD2｜舒密特跨越巴洛克到現代的管風琴獨奏 1️⃣ J. S. BACH: Passacaglia and Fugue in c minor, BWV 582 巴赫：c小調帕薩卡雅舞曲與賦格，BWV 582 2️⃣ F. LISZT: Variations on a Basso Continuo from the CantataWeinen, Klagen, Sorgen, Zagen 李斯特：以清唱劇《哭泣、哀嘆、憂慮、猶豫》數字低音主題而作的變奏曲 作者：焦元溥 國立臺灣大學政治學系國際關係組畢業，倫敦國王學院音樂學博士、大英圖書館艾迪生研究員。是臺灣知名樂評人、資深專欄作家、廣播電台主持人。著有許多與音樂相關的書籍，內容涵蓋音樂作品分析、詮釋討論、鋼琴演奏技巧解析、音樂家訪問、國際鋼琴大賽報導與文學創作。 原文出處

回顧過去的一年裡，2024古典樂壇最引人注目的錄音，可能就非2022范克萊本大賽首獎得主任奫燦發行的蕭邦新片莫屬了不過Andrew Clements關心的，顯然不止於此，他為《衛報》（Guardian）選出的去年十片，從被評為四十年來最佳艾爾加小提琴協奏曲錄音的Vilde Frang，到 Bertrand Chamayou詮釋當代的John Cage作品，不僅皆有可觀之處，也對各種曲式、編制的錄音市場，給出了獨家觀點。 歌劇方面，目前幾乎已是現場演出或音樂會錄影的天下，Jonas Kaufmann主演、維也納國立歌劇院製作的《Parsifal》如此；Mark Elder指揮倫敦交響樂團的《Le Prophte》，是Aix-en-Provence音樂節的實況錄影，同團由拉圖指揮的揚納捷克作品，亦是攝自倫敦的演出。BruZane所發行Louise Bertin的《Fausto》，以及Tassis Christoyannis和Vronique Gens擔綱的男中音版馬斯奈《Werther》，則開始登上舞臺。 大型交響作品同樣也有錄音「現場化」的趨勢，而且如貝多芬或布拉姆斯交響曲等核心曲目的新版本仍在減少，但遇上週年的不在此列，像今年適逢200歲誕辰的布魯克納即是其一。過去曾經長時間制霸古典音樂市場的跨國公司，現在往往更把心力放在跨界產品，而非以往的主流古典上；與之相對的新興獨立品牌，則在新音樂大肆開拓疆域的當下蓬勃發展。 串流當道對目前每月錄音發行的數量與類型還未見顯著影響，後勢亦尚未可知。不過當大家可以用Spotify等串流音樂平臺，在螢幕上隨選幾乎所有版本的貝多芬或舒伯特鋼琴奏鳴曲時，多少應該都會讓打算錄製這些曲目的演奏者為之躊躇、思考是否要轉向不是那麼「熱門」的少錄曲目吧？ 對大部分年輕鋼琴家來說，發一張Alkan或John Field，通常會比錄個舒曼或貝多芬要更受到大家的關注畢竟如今的聽眾都不用拿出CD、放進唱機，就可聽到太多頂級的經典新錄音想脫穎而出，還真是需要一些足夠分量的理由。 最後，就來看看Clements心目中的2024最佳十片： 1. 艾爾加：小提琴協奏曲 Elgar：Carissima Vilde Frang, violin/Robin Ticciati, conductor/Deutsches Symphonie-Orchestre Berlin 完整評論 2. 蕭邦：練習曲 Chopin: tudes Yunchan Lim, piano 完整評論 3. 史密斯：空之花 Linda Catlin Smith: Flower of Emptiness Apartment House 完整評論 4. 布魯克納：第七號交響曲 Bruckner: Symphony No 7 Vladimir Jurowski, conductor/Berlin RSO 完整評論 5. 凱吉平方 Cage: Bertrand Chamayou Bertrand Chamayou, piano 完整評論 6. 冥思 Contemplation Huw Montague Rendall, bariton/ Ben Glassberg, conductor/ Opra Orchestre Normandie 完整評論 7. 朗：以作曲為釋 David Lang: Composition as Explanation Eighth Blackbird 完整評論 8. 柏丁：浮士托 Liouse Bertin: Fausto Christophe Rousset, conductor/ Les Talens Lyriques/ Flemish Radio Choir 完整評論 9. 布拉姆斯鋼琴作品 Brahms: Piano Pieces Op 116-119 Igor Levit, piano/ Christian Thielemann, conductor/ Wiener Philharmoniker 完整評論 10. 舒曼：雙簧管作品 Schumann: Works for Oboe (Daniel/Drake) Nicholas Daniel, oboe/ Julius Drake, piano 完整評論 原文出處